Auteur/autrice : Emilie d'Ornano

VANITY FUR

Exposition hors-les-murs au Basculeur (Isère) et avec le soutien de la Centrale Canine

L’exposition Vanity Fur explore les concours de beauté canins comme révélateurs de normes sociales, de rapports de pouvoir et d’esthétiques codifiées. Pour nourrir ce projet, Michel Jocaille s’est plongé dans les archives et les collections de la Centrale Canine, organisme chargé de la gestion des races et des pedigrees en France.

Une photographie, issue d’une série datée des années 1920 à 1940, montre une femme française très élégante posant fièrement avec ses chiens de race. Le raffinement affiché, la posture soigneusement étudiée, l’allure du chien et celle de sa maîtresse semblent répondre aux mêmes exigences. En parallèle, une vidéo présente des extraits de concours canins contemporains. Les chiens y évoluent aux côtés de leurs maîtres dans une chorégraphie précise, rythmée, où chaque déplacement obéit à des règles strictes. Tout est codifié et évalué selon des critères : posture, allure, port de tête ou encore qualité du poil.

Par endroits, les murs sont recouverts de grands lés de papier peint, sur lesquelles s’imposent en très grand format les portraits légèrement floutés de bibelots en porcelaine issus de la collection de la Centrale Canine. Classées par race et par type, ces figures relèvent d’une esthétique populaire et sentimentale souvent jugée désuète. Mais ici, elles sont extraites de leur contexte et magnifiées par une mise en image surjouée : lumière de studio, cadrages serrés, textures amplifiées. Le regard se perd dans ces images ambiguës, entre image fixe et frémissements. On ne sait plus très bien ce que l’on regarde, ni même à quelle race on a affaire. Plus loin, d’autres portraits de chiens imprimés sur de la panne de velours, prolongent cette impression de présence diffuse, quasi obsessionnelle. Dans les deux cas, les contours se brouillent, les surfaces brillent ou vibrent légèrement. Ce trouble visuel secoue nos repères, en friction directe avec les logiques rigides des concours de beauté où tout repose sur l’évaluation précise des critères. À travers ce glissement, c’est tout un système de normes qui se fissure.

Les différents portraits présentés dans le basculeur ainsi que dans l’espace resserré de la Nanotecture sont rehaussés d’ornements qui en perturbent la surface et troublent leur lecture. En s’emparant de ces images, Michel Jocaille détourne leur fonction documentaire, laissant transparaître les rapports de pouvoir, les artifices du paraître et les tensions dissimulées.

Cette attention portée au corps scruté trouve un écho plus silencieux dans les sculptures disséminées dans l’espace d’exposition. Ici, le mouvement cède la place à la pose figée : celle des gestes élémentaires inculqués dès les premières étapes du dressage — assis, couché, debout, allongé sur le dos, ou dressé sur les pattes arrière. Ces postures, en apparence anodines, fondent pourtant le rapport d’autorité et d’obéissance. Immobiles, les figures canines échappent à toute lecture univoque et peuvent ainsi suggérer à la fois la soumission, la lassitude ou une tension prête à se rompre.          

Les matériaux eux-mêmes participent à cette instabilité. Leur apparence hybride flirte avec une esthétique freak, comme si elles donnaient forme à un monde en transmutation. En effet, la série de sculptures canines est composée de matériaux composites mêlant osier tressé, tissus de doublures masculines, soie, cravates, paraffine, faux ongles et piercings. Ces assemblages donnent naissance à des silhouettes animales altérées et dégoulinantes, presque suintantes. Des fleurs semblent surgir de l’intérieur, traversant les couches de matière comme si une forme nouvelle tentait d’émerger. Chaque matériau utilisé est porteur de sens : la cravate évoque le pouvoir masculin ; la muselière, le contrôle ; la paraffine, une transformation lente, organique et imprévisible.

À même le sol du basculeur, des laisses démesurément longues organisent la déambulation des visiteur·euses. Déployées au sol sous forme de lignes souples et serpentines, elles imposent des détours, ralentissent la marche. Cette contrainte douce, presque imperceptible, prolonge la logique de domestication en agissant cette fois directement sur les corps du public. Leur apparente mollesse contraste avec ce qu’elles suggèrent : une force contenue brouillant les frontières entre lien affectif, tentative de protection et instrument de domination.

Sous une apparence gothico-kitsch, Vanity Fur s’inscrit dans une lignée de récits qui refusent l’assignation, la fixité, la norme. Les chiens y incarnent les archétypes du pouvoir masculin autant qu’ils en exposent la décomposition. Dressés, muselés, tenus en laisse, ils rejouent les formes codées d’un patriarcat fondé sur la maîtrise et la performance. Ces corps vacillent et basculent peu à peu vers autre chose. Dans cette exposition, Michel Jocaille détourne les codes de l’univers canin pour faire émerger de nouveaux récits : ceux d’identités en devenir, d’un système qui se défait, d’un pouvoir qui se délite.

Émilie d’Ornano – juin 2025

Biographies

Né en 1987 dans le nord de la France, Michel Jocaille vit et travaille à Paris. Il obtient en 2015 un DNSEP à l’esä Npdc – Hauts-de-France. Son travail a notamment été présenté à la galerie du 19M Chanel (Paris), à la galerie des Filles du Calvaire (Paris), au Salon de Montrouge ou encore à la collection Lambert (Avignon). En 2024, il est invité par la Samaritaine (Paris) et réalise une vitrine sur le thème du jardin d’hiver. Actuellement, son travail est présenté jusqu’au 23 août au Centre Wallonie-Bruxelles (Paris) dans le cadre de l’exposition collective Symbiosium II. Il participe également à plusieurs résidences, notamment à Wicar (Rome, Italie) ainsi qu’à la Villa Therapeia (Paxos, Grèce).

Michel Jocaille développe un travail d’installation et de sculpture, composé d’assemblages de matériaux hétérogènes. Son travail s’inscrit dans une esthétique camp, qui revendique l’artificialité, l’exagération et une certaine théâtralité du geste. En s’appuyant sur des références au culte du corps, à la fluidité et à l’hybridation, l’artiste interroge les constructions identitaires et les récits normatifs qui les sous-tendent. Sa démarche articule recherche plastique et réflexion critique, dans une volonté de déjouer les hiérarchies de valeur, de brouiller les systèmes d’interprétation et de renverser les classifications imposées. Elle déploie ainsi une pensée visuelle des marges, attentive aux formes de pouvoir inscrites dans les représentations.

Crédits photos : Lola Fontanié pour le basculeur

LÀ OÙ LE CIEL TREMBLE

Avec le précieux soutien du Centre Wallonie-Bruxelles | Paris

Cette exposition s’inscrit dans la continuité d’un partenariat engagé entre KOMMET et le Centre Wallonie-Bruxelles | Paris depuis 2019. Après deux premières collaborations ayant permis de faire dialoguer les scènes artistiques wallonne et française, cette nouvelle initiative vient affirmer de manière renouvelée notre engagement commun en faveur du soutien à la création contemporaine. C’est dans ce contexte que Louise Charlier a reçu le Prix indépendant KOMMET lors de la Biennale Nova_XX présentée au Centre Wallonie-Bruxelles en février 2024, lui offrant ainsi l’opportunité de réaliser une exposition en duo avec l’artiste française Joséphine Topolanski.

Là où le ciel tremble réunit ces deux artistes qui, chacune à leur manière, interrogent la construction des récits et la porosité entre faits, croyances, archives et fiction. Louise Charlier et Joséphine Topolanski activent des formes de connaissance alternatives, situées aux frontières de la science, du mythe et du sensible. Leurs œuvres convergent autour d’un même désir : celui d’explorer les zones d’incertitude. Toutes deux puisent dans des témoignages, des archives et des iconographies liés à des phénomènes inexpliqués tels que les OVNIs. Par la sculpture, le textile et le son, les œuvres réunies explorent l’inconnu, questionnant notre rapport à la vérité et brouillant les frontières entre croyances populaires et rites imaginaires. 

Depuis plusieurs années, Louise Charlier développe Roscosmic, une agence spatiale spéculative qu’elle incarne tour à tour comme directrice, astronaute ou présentatrice météo. Contrairement aux agences tournées vers la conquête du cosmos, Roscosmic adopte une perspective inversée : celle d’une exploration terrestre, attentive aux récits que l’on construit depuis la planète elle-même. En reprenant les codes des institutions scientifiques — protocoles d’enquête, dispositifs d’observation, programmes d’archivage — l’artiste met en place un corpus volontairement ambigu, qui trouble la distinction entre réalité et fiction. À KOMMET, l’agence installe une nouvelle antenne. On y découvre notamment les traces de deux témoins ayant observé d’étranges phénomènes célestes, une plaque commémorative, des lunettes stéréoscopiques et un radio-télescope captant en continu des fragments de témoignages. Ces objets, dont on ne saurait dire s’ils documentent ou rejouent des événements, participent à la fabrication d’un récit pluriel et instable. L’exposition devient alors un espace où l’on peut voir ce qui échappe au regard, un lieu où les perceptions fragmentaires nourrissent des récits partagés.

Joséphine Topolanski présente un ensemble de pièces textiles nourries par l’imaginaire ufologique, les croyances populaires et les formes visuelles de la science. Son installation, construite autour d’un culte fictif, prend la forme d’un sanctuaire technique où des panneaux brodés et capitonnés, suspendus dans l’espace du centre d’art, évoquent autant les parois de vaisseaux spatiaux que les housses de protection des objets liturgiques. Chaque pièce assemble des images composites : comètes, sphères célestes, croquis d’OVNIs, figures schématiques, symboles ésotériques ou diagrammes issus de la physique théorique. Certaines sont inspirées de récits d’enlèvements extraterrestres ; d’autres, de gravures anciennes représentant des phénomènes météorologiques inexpliqués. L’ensemble compose un répertoire visuel hybride, entre science spéculative, mémoire populaire et iconographie sacrée. Ces surfaces molletonnées deviennent autant de supports silencieux de mémoire et de croyance que l’artiste propose comme objets à décrypter.

Dans un contexte marqué par la défiance, la saturation des récits et le besoin de réconfort, Là où le ciel tremble invite à suspendre les évidences et à accueillir l’inconnu. En croisant leurs approches, l’exposition ouvre un espace où les récits collectifs et individuels se rencontrent, où l’invisible prend forme et où le doute s’installe.

Biographies

Née en 1996 à Verviers (BE), Louise Charlier vit et travaille à Bruxelles. Elle est diplômée de l’ENSAV La Cambre, où elle poursuit actuellement un doctorat en Art et Sciences de l’art, en cotutelle avec l’Université Libre de Bruxelles. En 2023, elle a participé à plusieurs résidences mêlant art et recherche scientifique, notamment à Kultur einer Digitalstadt en partenariat avec l’Agence Spatiale Européenne (Darmstadt) ou encore à l’Observatoire de l’UNamur dans le cadre du Kikk Festival (Namur). Elle est lauréate en 2024 d’une résidence de recherche à l’Accademia Belgica (Rome). Son travail a notamment été présenté au Centre Wallonie-Bruxelles (Paris), à la Fondation Moonens ainsi qu’à la Maison Lismonde (Bruxelles).

Née en 1998 à Paris, Joséphine Topolanski vit et travaille à Paris. Elle est diplômée de l’École nationale supérieure des arts décoratifs de Paris, où elle s’est spécialisée en image imprimée. En 2021, elle reçoit une mention spéciale du jury dans le cadre de la Révélation Design de l’ADAGP. En 2024, son travail a été présenté au Frac Île-de-France, au CAC Brétigny, à la galerie Aline Vidal (Paris) et à Confort Mental. Elle a effectué une résidence à la Villa Belleville (2023) et est actuellement résidente à Artagon (Pantin). Son travail a fait l’objet d’une acquisition en 2022 par le Fonds municipal d’art contemporain de la ville de Pantin ainsi que d’une acquisition en 2025 par le Fonds municipal d’art contemporain de la Ville de Paris dans le cadre du programme Jeunes collectionneurs.

ROOM 691

Le centre d’art KOMMET a accueilli du 25 avril au 3 mai 2025 ROOM 691, une chambre imaginaire dédiée à la pratique du design graphique. À travers quatre visions singulières, l’espace devient un terrain d’expérimentation où se croisent explorations visuelles, recherches typographiques et dialogues entre formes et supports.

Pensée à huit mains, cette proposition réunit artistes, designers graphiques, peintres en lettres et programmeurs tels que : Camille Weber, Lucien Vantey, Jean Granon, Anthony Couret, Maya Bellemin, Jim Fontana, Clara Degay, Charlotte Carletto, Mathilde Courtot, Elsa Baslé – et bien d’autres encore… ROOM 691 devient ainsi le reflet de pratiques singulières, entre expérimentation et transmission.

Une proposition d’Alexandra Karaolanov, Alain Papazian, Alexis Cros et Paul Andali.

Informations sur le festival ROOM SERVICE

Du 24 au 27 avril 2025, cette première édition du festival investit quatre lieux de la ville pour célébrer les pratiques du design graphique sous toutes ses formes.

Conférences, expositions, ateliers rythmeront ces quatre jours dédiés aux professionnels•elles mais aussi aux curieux·ses du graphisme. ROOM SERVICE se veut être un espace d’échanges et de découvertes, où se croisent les différentes pratiques contemporaines du design graphique. Attaché à la jeune création, le festival met un coup de projecteur sur la nouvelle génération.

Un évènement en partenariat avec Monopôle, le macLYON, l’Atelier Garage et KOMMET. Avec le soutien de Fedrigoni, l’ENSBA Lyon, l’imprimerie Chirat et la Ville de Lyon.

Cette exposition est soutenue dans le cadre du fonds PERSPEKTIVE pour l’art contemporain & l’architecture, une initiative du Bureau des arts visuels de l’Institut français d’Allemagne. Soutenu par le ministère de la Culture, l’Institut français de Paris
et le Goethe Institut.

le geste du commun

Pour leur seconde collaboration, le centre d’art KOMMET et la résidence nomade an· other here présentent à Lyon l’exposition collective le geste du commun. À l’issue d’une résidence croisée entre la France et l’Allemagne, les artistes Pierre Boggio, Julie Escoffier et Gisèle Gonon dévoilent le résultat de leurs recherches menées à Berlin et dans le village drômois de Montbrun-les-Bains. Cette exposition rassemble des oeuvres qui explorent la notion de communauté à travers nos liens aux récits, aux territoires et aux dynamiques collectives.

À la croisée du folklore, de l’oralité et des rituels collectifs, Pierre Boggio étudie les formes de transmission visibles et invisibles. Son installation convoque à la fois héritage familial, traditions culinaires et mythologies locales. Il revisite des figures légendaires sous forme de marmites, représentant la Tarasque, l’Ondine et l’Orcolat. Ces créatures, issues de récits populaires, incarnent des forces telluriques, des métamorphoses et des mythes de protection ou de menace, réactivant ainsi une mémoire collective.

Au cœur de ce travail, un livre de cuisine se construit, où chaque élément devient le témoin d’un patrimoine culinaire, nourri par les histoires et les expérimentations de celles et ceux qui les perpétuent. Durant l’exposition, les visiteur·euse·s sont invité·e·s à siroter un breuvage et à transmettre à l’écrit des anecdotes associées à la cuisine. Par ce moment convivial, son installation rappelle la manière dont les savoirs se diffusent notamment par la parole, le partage d’un repas ou la répétition d’un geste ancestral. En échange, l’artiste donne l’opportunité de composer un livret à partir des recettes qu’il met à disposition. Chaque feuille mobile se distingue par le choix d’une typographie propre et d’une illustration provenant de ses archives iconographiques, conférant à la recette une forme de personnification mystique. En ravivant ces modes de transmission à la fois personnels et universels, Pierre Boggio interroge la manière dont la cuisine structure nos liens sociaux, forge notre rapport au territoire et cultive un langage commun. Gisèle Gonon explore la campagne dans ses réalités agricoles et ses dimensions affectives. Son travail s’articule à partir de matériaux communs, enraciné dans une narration intime de la ruralité.

Pour son installation à KOMMET, Gisèle Gonon puise dans son histoire personnelle, évoquant une vie paysanne et des vies queer en milieu rural. Inspirée par l’héritage médiéval de Montbrun-les-Bains, elle réinterprète l’étendard traditionnel, symbole de ralliement et d’identité collective, pour y dresser les luttes de la communauté LGBTQIA+ sur une bâche de protection. Cette dernière est ornée de motifs de lavande, une plante à la couleur violette emblématique à la fois de la Drôme provençale et de la communauté queer. Gisèle Gonon y intègre la clé de tirant, élément servant à consolider la structure d’une bâtisse, qui devient ici métaphore de résistances et des liens d’une communauté à préserver. Ce motif se prolonge dans les fleurons, dont la conception s’inspire également de l’esthétique de l’Echinops ritro, fleur hermaphrodite communément appelée
« oursin bleu » que l’on retrouve aux abords de la résidence.

La bande sonore qui accompagne cet étendard, donne voix à celles et ceux qui projettent de nouvelles narrations à la campagne, inscrivant ainsi ces témoignages dans un paysage pouvant être perçu comme inhospitalier. À travers cette oeuvre, Gisèle Gonon affirme la possibilité d’une identité queer en milieu rural, ouvrant un espace où iels peuvent s’y épanouir.

Julie Escoffier examine les propriétés des matériaux et leurs symboliques ancestrales. Disposée au sol, son installation interroge l’action du temps sur la matière et la manière dont celle-ci est perçue, manipulée et activée. L’oeuvre prend la forme d’un foyer lumineux où des artefacts en colophane, une résine de pin translucide, sont reliés à un dispositif sonore. Sensible à la chaleur, ce matériau fragile révèle ici une dimension tactile et vibratoire. Ses formes évoquent les « pierres de sorcières », des roches naturellement perforées par l’érosion de l’eau, auxquelles on attribue des vertus protectrices. Des capteurs piézoélectriques enregistrent les vibrations du matériau au contact des visiteur·euse·s, générant une partition sonore évolutive et imprévisible. L’installation repose ainsi sur l’interaction et l’activation, proposant un rituel intuitif et silencieux. Cette expérience non verbale engage le corps et souligne notre rapport à un monde vulnérable, appelant à une attention mesurée et délicate.

En écho aux recherches de l’anthropologue britannique Tim Ingold, il règne une interdépendance entre l’organisme et son environnement. L’œuvre de Julie Escoffier illustre cette vision relationnelle du monde, où les êtres et les matières ne sont jamais isolés mais toujours pris dans un réseau d’influences et de transformations mutuelles.

Pierre Boggio, Julie Escoffier et Gisèle Gonon interrogent des actes qui valorisent nos liens, prolongent les résistances et accompagnent les transformations en cours. Chacune de ces installations invite à une expérience partagée, où le geste – qu’il soit culinaire, symbolique ou tactile – devient un outil de réappropriation et de résonance collective. Dans un monde marqué par des tensions et des mutations profondes, ces artistes ébauchent des micro-territoires relationnels où les récits se construisent au fil des interactions. Ainsi, le geste du commun ne se limite pas à une seule réflexion sur la communauté : il en active les mécanismes, réaffirmant l’importance des liens qui nous relient aux autres, aux espaces et à notre environnement.

Émilie d’Ornano et Livia Tarsia in Curia

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Biographies

Pierre Boggio vit et travaille à Lyon.
Diplômé d’un DNSEP en design graphique à l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Lyon et du Post-diplôme kaolin à l’École Nationale Supérieur d’art de Limoges, son travail a notamment été exposé à l’Espace Les Barreaux (Paris), au Centre International d’Art et du Paysage de Vassivière, La Bonbonnière (Les Roches de Condrieu), à l’Attrape-couleurs (Lyon), ou encore en 2024 au project space WIRWIR pendant qu’il effectue une résidence avec an· other here (Berlin). En 2022, il cofonde P.B. City, un projet curatorial et artistique à l’origine d’expositions à l’Atelier LaMezz (Pierre-Bénite) et dans plusieurs espaces lyonnais tels que Monopôle, La Factatory, le Réfectoire des Nonnes et la BF15.

Julie Escoffier vit et travaille à Lyon. Diplômée d’un DNSEP de l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Lyon en 2013, elle complète sa formation au post-diplôme de l’E.N.P.E.G « La Esmeralda » à Mexico. Son travail a été présenté en France et à l’international, notamment à Festival Mouvement d’art (La Teste-de-Buche), à Kashagan (Lyon), à Untitled Art (Miami), à ALMANAQUE fotográfica (Mexico), à Efrain Lopez Gallery (Chicago) et à la Galerie Les Territoires (Montréal). Parallèlement, elle prend part à plusieurs résidences artistiques, dont CASA WABI (Puerto Escondido, Oax.) en 2017, Le Centre International d’Art et du Paysage de l’île de Vassivière (Beaumont-du-Lac) en 2021 et an· other here (Berlin) en 2024.

Gisèle Gonon vit et travaille à Berlin. Diplômée d’un DNSEP de l’École Supérieure d’Art et Design de Saint-Étienne en 2005, elle intègre en 2018 le programme de formation postuniversitaire Goldrausch à Berlin. Son travail a été présenté dans divers musées et lieux d’exposition à travers l’Europe, notamment au KINDL (Berlin), à l’EKKM Contemporary Art Museum (Tallinn), à la Bundeskunsthalle (Bonn), à gr_und (Berlin), à la Leipziger Baumwollspinnerei (Leipzig) et lors du Week-end de l’art contemporain (Bordeaux). Elle participe à plusieurs résidences artistiques, parmi lesquelles La Factatory (Lyon) et Tallinn Art Hall (Tallinn) en 2021 et également avec an· other here (Montbrun-les-Bains) en 2024.

TAINTED LOVE

La pratique artistique de Bérénice Nouvel s’inscrit dans un jeu subtil d’illusions visuelles, déstabilisant volontairement la perception des spectateur·rices. Ses œuvres, qu’il s’agisse de toiles tendues, de bas-reliefs ou d’objets hybrides, étendent le langage pictural. En manipulant les matériaux mêmes de la peinture — châssis, toiles, pigments — elle explore les relations entre le faux et le réel, entre l’objet et l’image. Elle bouscule les codes traditionnels de la peinture en repoussant ses frontières habituelles. À travers des trompe-l’œil, Bérénice Nouvel s’appuie sur des motifs fictifs qui convoquent des univers variés allant de l’artisanat à la culture populaire en passant par le décor de théâtre.

À travers une série d’œuvres mêlant peinture, sculpture et installation, Bérénice Nouvel propose d’explorer à KOMMET un univers où le tangible côtoie l’illusion. L’exposition Tainted Love transforme l’espace en une scène empreinte d’onirisme et d’artifice. Dès l’extérieur, les vitrines embuées, ornées de cœurs tracés à la main, laissent entrevoir un paysage à la fois romantique et mystérieux. Pensé comme une ultime couche de peinture, le vinyle autocollant appliqué sur les vitrines suggère l’effet d’un glacis : une fine pellicule translucide qui, dans la tradition picturale, enrichit la profondeur et les nuances des couleurs tout en laissant transparaître les couches sous-jacentes.

En franchissant le seuil, une étrange sensation d’immersion s’impose, comme si la peinture murale enveloppait les visiteur·euses dans un bain de couleurs. Comme suspendu au-dessus des nuages, on a le sentiment de plonger au cœur même de la peinture, de se glisser entre des couches superposées où la lumière intensifie et sublime l’effet d’illusion.

Les œuvres de Bérénice Nouvel prennent souvent des formes ambiguës, jouant sur les échelles et les statuts. Adossé à la peinture murale, un miroir monumental aux reflets bleutés renvoie tout autant à un monochrome radical qu’à un élément de décor cartoonesque. Son cadre doré, à mi-chemin entre esthétique bourgeoise raffinée et réinterprétation kitsch, évoque les objets déco standardisés proposés par des enseignes comme BUT ou Action.

Sur le sol, une boîte peinte imitant le motif du faux bois fait office à la fois de caisse de transport et de socle pour des éditions. Les visiteur·euses sont invité·es à interagir avec cette œuvre et, s’iels le souhaitent, à repartir avec un exemplaire de Painted Love.

Bérénice Nouvel intègre l’écriture comme un médium à part entière dans son travail. Son texte accompagne cette exposition comme une déclaration d’amour — parfois ironique, parfois nostalgique — pour la peinture et ses multiples registres. À travers ses mots, elle établit un lien entre sa pratique artistique et ses expériences personnelles, mêlant des références au monde de l’art contemporain à des gestes plus quotidiens, tels que peindre les murs d’une cuisine ou réaliser des peintures publicitaires.

Le titre de cette autofiction, un jeu de mots inspiré de la célèbre chanson Tainted Love, met en avant l’ambiguïté et la richesse des significations présentes dans Painted Love. En effet, il traduit les multiples interprétations possibles, reflétant les nombreux niveaux de lecture que l’artiste tisse dans ses œuvres.

L’exposition plonge les visiteur·euses dans un environnement où chaque élément semble issu d’un rêve dont les clés de compréhension restent partiellement voilées. Les objets, volontairement factices, prennent des allures d’indices épars. Dans cet univers où l’artifice dialogue avec la poésie, chaque détail oscille entre décor, sculpture et illusion picturale. Tainted Love offre aux spectateur·ices un espace propice à la projection de leurs propres récits et interprétations.

Émilie d’Ornano

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Biographie

Née en 1997 à Saint-Étienne, Bérénice Nouvel vit et travaille à Nantes. Elle obtient un DNA à l’École nationale supérieure des beaux-arts de Lyon, qu’elle réalise en parallèle de son Master Recherche en histoire de l’art à l’Université Lyon 2. Dans ce cadre, elle rédige un mémoire intitulé Contre-courant : femmes peintres du groupe Trompe-L’œil Réalité à Lyon (1981-2003), sous la direction de Damien Delille. En 2023, elle est titulaire d’un DNSEP à l’École des Beaux-Arts Nantes. Son travail a notamment été présenté à la galerie RDV (Nantes), la Maison Salvan (Labège) ou encore au centre d’art contemporain Paradise (Nantes). Invitée par le POCTB, elle prépare un solo show prévu en 2025 à Aubigny-sur-Nère. Depuis 2020, elle est également membre de la collective d’artistes et designaires féministe “Club Mæd”. Elle est actuellement résidente aux ateliers BONUS à Nantes.

𝗧𝗢𝗡𝗬 𝗚𝗔𝗥𝗡𝗜𝗘𝗥 : 𝗔𝗥𝗖𝗛𝗜 𝗡𝗢𝗨𝗩𝗘𝗔𝗨 !
𝗣𝗲𝗿𝗳𝗼𝗿𝗺𝗮𝗻𝗰𝗲 𝗰𝘂𝗹𝗶𝗻𝗮𝗶𝗿𝗲 𝗱𝘂 𝗱𝘂𝗼 𝗕𝘆𝗲 𝗕𝘆𝗲 𝗣𝗲𝗮𝗻𝘂𝘁𝘀

Le centre d’art KOMMET s’est associé à la Cité Musée Tony Garnier pour une soirée événement le jeudi 21 novembre 2024 dédiée au dévoilement de son nouveau nom et de sa nouvelle identité graphique.

Tony Garnier portait une vision unique de la cité qu’il concevait comme un lieu de vie favorisant le bien-être, les échanges et la convivialité entre les habitant·es. Inspiré par cette approche humaine et sociale de l’urbanisme, nous avons souhaité inviter les plasticiens culinaires Bye Bye Peanuts afin d’offrir au public un moment d’interaction et de partage. Leur intervention prolonge cet esprit cher à Garnier, en proposant une performance gustative en résonance avec sa vision et la nouvelle identité graphique du musée, réalisée par Guerillagrafik.

SWISS FLEX

Exposition en résonance avec la Biennale de Lyon

David Bregenzer, Samuel Rauber et Jonas Weber fondent en 2018 le collectif Boyband CHIC. À travers la performance vidéo, ils questionnent la culture populaire et notamment la musique pop. En 2023, David et Samuel font évoluer ce projet, réorientant leur pratique artistique en duo vers des installations combinant vidéo, son, sculptures et ready-mades. Swiss Flex marque leur première exposition personnelle en tant que Nostal Chic.

À KOMMET, le duo explore le concept de hyggelig, créant un environnement à la fois étrange et artificiel. Hyggelig est un terme danois difficilement traduisible en français, car il englobe plusieurs notions liées au confort et au bien-être. Il évoque une ambiance chaleureuse, conviviale et accueillante, où l’on se sent bien et en sécurité. Ce mot est souvent employé pour décrire des moments simples et agréables, comme se retrouver chez soi entouré de ses proches, profiter d’une atmosphère cosy avec des bougies allumées, ou savourer une boisson chaude lors d’une soirée hivernale.

Dans ce même registre, la vidéo Cozy Cabin Ambience s’inspire des “vidéos de relaxation” populaires sur YouTube, où le crépitement d’un feu de cheminée et le sifflement du vent créent une atmosphère apaisante. Cette tranquillité est brusquement interrompue lorsqu’un personnage féminin apparaît à l’écran et engage une conversation avec les visiteur·euses. Dans l’exposition, Nostal Chic brouille ainsi la frontière entre réalité et simulation, invitant le public à plonger dans un monde miniaturisé où l’interaction, bien que suggérée, est en réalité soigneusement contrôlée.

Sur les murs de l’espace d’exposition, une série de cartes postales est encapsulée à la manière d’inclusions d’ambre. Ces inclusions, où des éléments naturels sont piégés dans de la résine fossilisée, préservent des fragments du passé, figés dans le temps. On y voit des enfants poser parmi des répliques miniaturisées de monuments, donnant l’impression de géants confinés dans un univers rétréci où le jeu semble interdit. Ces images, bien que floues et ambiguës, permettent aux spectateur·ices de s’identifier ou de projeter leurs propres souvenirs d’enfance.

David Bregenzer et Samuel Rauber s’amusent des changements d’échelles. Les maisons, malgré leur petite taille, regorgent de détails qui laissent entrevoir une vie à l’intérieur. Un feu de cheminée simulé, perceptible à travers un léger crépitement et un scintillement rougeâtre visible à travers les vitres, évoque la chaleur et le confort d’un foyer. De même, le scintillement d’un téléviseur à travers certaines fenêtres, accompagné des sons de programmes télévisés, renforce cette impression de vie paisible au sein de ces maisons.

Ce sentiment de sécurité et de confort est réservé aux habitant·es simulé·es des maisons miniatures, tandis que les spectateur·rices, surplombant la scène, ne peuvent que deviner ce qui se passe réellement à l’intérieur. Les maisons, perchées sur des formations rocheuses, semblent simultanément isolées et protégées, instaurant une ambivalence entre l’idée de refuge et celle de confinement. Cette dualité révèle comment la maison individuelle est perçue : un symbole éternel de confort et de protection, mais aussi un stéréotype qui, sous son apparence rassurante, invite à une réflexion critique. Ces œuvres questionnent la manière dont nous projetons nos idéaux de sécurité et de confort sur des espaces qui, en réalité, peuvent se révéler aussi fragiles qu’illusoires. Par exemple, la vidéo Nachem räge schint sunne (Après la pluie, le soleil brille) montre une boîte à musique en forme de chalet suisse qui, une fois ouverte, dévoile une réalité désenchantée. Bien que la musique traditionnelle suisse qui accompagne la scène soit joyeuse, l’ouverture du chalet est mystérieuse. Le toit se soulève, mais il est impossible de discerner ce que renferme réellement cette maison.

L’exposition invite à réfléchir sur la manière dont nous construisons nos propres illusions pour atteindre le bonheur et éprouver le hyggelig. Cette immersion dans une virtualité rassurante remet en question notre propre réalité. En oscillant entre le réel et l’illusion, Swiss Flex interroge la fragilité de nos certitudes et nous pousse à considérer que notre quête de confort et de sécurité pourrait reposer sur des fondations aussi instables que séduisantes.

Émilie d’Ornano

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Biographies

Né en 1991 à Berne, David Bregenzer vit et travaille à Bâle en Suisse. Il est diplômé d’un Master d’Art et de Design, Institut d’enseignement d’Art et de Design (IADE) à Bâle en 2019.  Son travail a notamment été présenté au Cinéma REX à Berne (CH), à Garage COOP et à la Chaufferie à Strasbourg (FR) lors de l’évènement transfrontalier Regionale 23 ou encore au Musée d’art à Thoune (CH).

Né en 1990 à Berne, Samuel Rauber vit et travaille à Berne en Suisse. Il est diplômé d’un Master d’Art en éducation artistique avec une spécialisation en création et transmission à la Haute école des arts de Zurich en 2016. Il exerce également en tant que curateur indépendant. Son travail a notamment été présenté au Cinéma Apollo à Kreuzlingen (CH), à Garage COOP et à la Chaufferie à Strasbourg (FR) lors de l’évènement transfrontalier Regionale 23 ou encore au Musée d’art à Olten (CH).

KOMMET a accueilli la 4ème Triennale art nOmad le vendredi 27 septembre de 15h à 22h30 place Gabriel Péri à Lyon

Évènement hors-les-murs en résonance avec la Biennale de Lyon

LA MAISON INITIALE : UNE ODYSSÉE NÉONOMADE
Une performance conduite par Clorinde Coranotto

La Triennale art nOmad est une performance en camion, collective et participative qui se déplace le temps qu’elle dure, allant jour après jour à la rencontre de nouveaux publics, qu’elle reçoit autour de son camion (le Véhicule art nOmad ou « Van »). Cette triennale est conduite par son auteure Clorinde Coranotto et portée par l’association art nOmad (basée à Arnac-la-Poste).

Pour cette quatrième édition, celle-ci invite David Legrand, artiste collectif et “oiseau, nomade, pèlerin, presque fugitif”, à tisser un commissariat où les œuvres d’autres artistes “oiseaux” de tous horizons s’enchevêtrent dans une volonté de dialogue ouvert et inattendu. Le Van mutant abritant leurs histoires intimes devient alors maison roulante, miroitante et foraine.

Ainsi, vendredi 27 septembre, sur la place publique, une tribu passagère composée des membres d’art nOmad, du commissaire David Legrand, d’artistes, d’étudiant•es et d’enseignant•es de l’École nationale supérieure d’art et de design de Limoges fera découvrir aux habitants de Lyon – en avant-première – cette exposition placée sous le signe des hybridations et génératrice de liens de toutes sortes. De son rituel d’installation dans l’après-midi à celui de son démontage à minuit, les publics pourront aussi librement et gratuitement assister à des projections et des performances, dont celles de Lionel Magal dit Fox et de Rémi Voche, et participer en continu à des ateliers d’arts plastiques ouverts à tou•tes.

Artistes présenté•es :

Juan Aizpitarte / Leigh Barbier / Johana Beaussart / Arnaud Borde / Fabrice Cotinat / Estelle Deschamp / Lisa Di Giovanni / Françoise Goria / Nacima Gourbi / Séverine Hubard / In Vitro (Xiyue Hu et Xing Xiao) / Boris Lehman / Rainier Lericolais / Marie Losier / Lionel Magal dit Fox / Charlemagne Palestine / João Tabarra / Danielle Vallet Kleiner / Rémi Voche / Woojung Yim / Philippe Zunino

100% TASTY

Juliette Guerin déploie un travail protéiforme qui conjugue vidéo, photographie, sculpture et installation. Dans ses œuvres, elle utilise comme matière première une multitude d’objets du quotidien issue de la culture populaire. En s’inspirant des codes de la publicité, des réseaux sociaux ou des tutoriels en ligne sur YouTube, elle élabore des mises en scène à la fois étranges et comiques. En 2018, elle réalise notamment une vidéo pour le prix Linossier où des chirurgiens tentent de recréer un gigantesque steak à partir de protéines en poudre pour sportifs. Depuis, elle continue d’explorer les thématiques de l’alimentation industrielle et de l’influence de la publicité sur nos désirs et nos perceptions.

Pour sa première exposition personnelle, Juliette Guerin dévoile sa vaste collection de près de 200 sachets de bonbons et de poudres alimentaires. Depuis 2019, elle glane d’étonnantes friandises, caramels, poudres, épices et sucettes de toutes sortes. Le titre 100% Tasty est lui-même emprunté à un bonbon en forme de hamburger miniature. La notion de collection revêt une importance particulière dans sa pratique artistique. Avant de se tourner vers les bonbons et les poudres, elle collectait des images sur internet, classées selon des catégories évocatrices de notre société consumériste : corps, machines, nourriture. Au-delà de son lien avec l’enfance, elle évoque l’accumulation, les manques et les obsessions absurdes.

Une partie de sa collection est présentée sous forme de photographies et de vidéos sur les murs du centre d’art, tandis que l’intégralité est accessible aux visiteur•ices via une édition mise à leur disposition. La multiplicité de ces images offre une critique aussi stimulante que malaisante de la marchandisation, du capitalisme et de la mondialisation.

Les photographies accrochées au mur reflètent l’esthétique d’une machine à sous, où l’on tente d’aligner des symboles identiques pour gagner le jackpot. Juliette Guerin présente ces objets dans toute leur ambiguïté, questionnant les mécanismes de désir et de dégoût induits par le marketing publicitaire. Ces images oscillent entre la séduction visuelle des emballages et la réalité parfois dérangeante de leur contenu. On observe sur ces images des représentations de billets de banque, oreille, jerrican d’essence, autant d’objets et parties du corps rarement associés à des recettes de cuisine.

Dans son installation vidéo, les bonbons et les poudres alimentaires deviennent les symboles d’un univers dystopique, où la frontière entre ce qui semble attrayant et la réalité dérangeante devient floue. Les spectateur•ices, initialement confronté•es à ce qui semble être une simple démonstration de recette, sont rapidement plongé•es dans une ambiance de film de science-fiction, évoquant l’esthétique étrange et perturbante du cinéaste David Cronenberg.

En explorant la frontière entre réalité et fiction, Juliette Guerin s’approprie les codes de la publicité, des tutoriels en ligne et des vidéos d’unboxing pour mieux les détourner. À travers ces stratagèmes, elle révèle l’absurdité inhérente aux discours commerciaux et aux représentations idéalisées de la consommation. En questionnant notre culture populaire, cette exposition nous plonge dans un univers à la fois savoureux, grinçant et satirique, suscitant à la fois plaisir gustatif et dégoût, où chaque œuvre invite à une réflexion sur les artifices visuels et les techniques de manipulation utilisé•es pour provoquer le désir chez les spectateur•ices.

Émilie d’Ornano

En collaboration avec Studio H13

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Biographie

Née en 1992, Juliette Guerin vit et travaille à Marseille. Elle est diplômée de l’École nationale supérieure des beaux-arts de Lyon en 2018. En 2019, elle participe à la création de l’association Panthera, collectif et ateliers d’artistes à Marseille. En 2020, elle obtient un certificat de formation de plasticienne intervenante (CFPI) à École supérieure d’art et de design Marseille-Méditerranée et développe un travail de transmission et d’œuvres collectives. Son travail a notamment été présenté au Musée d’art contemporain de Lyon, à la Friche la Belle de Mai à Marseille, à Zebra3 à Bordeaux ou encore à festival Éclats à Bruxelles.