Catégorie : Archives

✹ Exposition Reliques sentimentales

Du 9 au 17 février 2024, l’exposition Reliques sentimentales a permis d’offrir aux visiteur•ice•s l’opportunité de (re)découvrir et de porter un nouveau regard sur la programmation du centre d’art, le tout dans un dispositif de monstration inédit. Ces œuvres – certaines ayant été exposées à KOMMET – sont les témoins des cinq années d’activité et des liens qui se sont tissés avec les artistes.

Exposition soutenue par ATC Groupe

• Commissariat Émilie d’Ornano
• Scénographie Bella Bates
• Scénographe lumière Mathilde Camoin

En partenariat avec l’école de design graphique ECV Paris, les étudiant•e•s ont été invité•e•s à se plonger dans les archives de KOMMET afin de concevoir une série d’affiches retraçant l’histoire du lieu. Le résultat a été visible sur les vitrines pendant le montage de l’exposition du 4 au 7 février 2024.

✹ Lancement du catalogue 2 x 7 + 3 x 14 = 5

L’ouvrage intitulé 2 x 7 + 3 x 14 = 5 permet à KOMMET de célébrer ces 5 premières années d’existence. Depuis 2019, le centre d’art mène de nombreux projets d’expositions, organise, accueille des évènements et développe de nombreuses actions en faveur des publics.

Ce catalogue rétrospectif compile 5 années d’activités foisonnantes !

Lien pour commander le catalogue

Conception graphique Guerillagrafik

Informations

• NB : la jaquette et les stickers sont exclusifs à cette première édition
• Couverture souple avec jaquette découpée
• Nombre de pages : 228
• 1 planche de stickers par édition (2 versions possibles)
• Dimensions : 150 x 230 mm
• Nombre d’exemplaires : 200
• Langue : français

TRANS*-ANÉTHOL

Lors de recherches effectuées sur Internet, l’utilisation de l’astérisque élargit la requête en incluant des termes connexes et en laissant place à une exploration plus étendue. Comme un clin d’œil, l’astérisque déploie sa présence de manière double : non seulement dans le titre Trans*-anéthol, mais également à travers la manifestation tangible de ces anis étoilés dans l’espace d’exposition. Le trans-anéthol est un composé chimique aromatique qui confère à l’anis étoilé son arôme et son odeur caractéristique. Il est également présent dans d’autres plantes comme l’aneth et le fenouil. Cette molécule a des propriétés intéressantes qui lui permettent d’être utilisée en parfumerie, en cuisine, en médecine traditionnelle et même dans certains procédés photographiques.

À travers une expérience visuelle, olfactive et sonore, Jean-François Krebs engage une réflexion sur la possibilité d’une fusion entre l’humain et le règne végétal. L’artiste transcende les définitions rigides, ouvrant ainsi un espace où l’on envisage les potentialités d’un avenir fluide, imprégné de liquidité. Les œuvres en verre, présentes à KOMMET, concrétisent la capacité fascinante de ce matériau à couler et à se déplacer librement, une particularité qui reste palpable même dans son état solide. Cette exposition offre une opportunité de remettre en question les certitudes mais aussi d’explorer la beauté des métamorphoses et de l’hybridité.

Jean-François Krebs crée un dialogue subtil entre les œuvres, invitant les spectateur•ice•s à explorer de multiples strates de signification. Les pièces en verre établissent des correspondances visuelles avec les nombreuses vitrines caractéristiques du lieu, permettant à la lumière naturelle de pénétrer l’espace. Les rayons qui embrassent certaines des œuvres les transforment, révélant ainsi de nouvelles dimensions et nuances.

Les pièces en verre, disposées au sol, suggèrent par moments des formes énigmatiques, mêlant des éléments abstraits à des fragments, évoquant à la fois des corps humains, des formes animales ou d’autres choses encore. Par exemple, certaines pourraient évoquer la Diane d’Éphèse, sculpture représentant Artémis, divinité grecque vénérée à travers différentes cultures et époques, qui incarne la fécondité et la puissance de la nature.

À KOMMET, une mystérieuse voix chante le nom de plantes et de molécules en latin, laissant planer le doute quant à savoir s’il s’agit de formules magiques ou non. Les substances récitées ont été choisies car elles peuvent exercer une influence simultanée sur le corps et la conscience, ouvrant la voie à des transformations aussi bien physiques que mentales. Leurs propriétés peuvent être médicinales, psychédéliques, voire mortelles. Dans cet espace de liberté immense, la marginalité des plantes devient le terreau fertile des grandes métamorphoses, où les corps humains et végétaux fusionnent.

La Lame dynamique ascendante est une exploration symbolique et esthétique liée à l’hybridité. La lumière fluorescente émanant de l’aile en verre à l’uranium transcende le spectre traditionnel. Le matériau, imprégné d’oxyde d’uranium, confère à la pièce des propriétés luminescentes uniques, teintant le verre d’une lueur verte. Pouvant être interprétée comme la jeune pousse d’une plante ou comme l’aile délicate d’un animal ou d’un ange, cette œuvre semble être en pleine métamorphose.

Jean-François Krebs s’intéresse aux processus biologiques, comme la capacité de régénération des végétaux. Lorsqu’une plante est coupée et replantée, elle poursuit son cycle de croissance, témoignant d’une vitalité persistante et de connexions organiques. La magie opère lorsque le végétal, déraciné, retrouve la terre. Dans cet acte de coupe et de replantation, l’être se transforme en une manifestation de résilience et d’adaptabilité. Il puise dans ses ressources internes, tirant profit des liens souterrains qui relient ses racines à un réseau invisible.

À KOMMET, Jean-François Krebs nous invite à repenser notre relation à notre environnement et à embrasser une perspective où la fluidité et la transformation deviennent des éléments centraux. L’artiste suggère une vie différente, où l’humain explore un transhumanisme végétal et propose une voie vers un avenir où la fluidité, la transformation constante, et une symbiose profonde avec la nature, façonnent une expérience de vie alternative.

Émilie d’Ornano

En collaboration avec la Factatory (Lyon)

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Jean-François Krebs vit et travaille à Londres. Iel a étudié l’horticulture à l’École du Breuil, l’architecture du paysage à Edinburgh College of Art et à l’École Nationale Supérieure du Paysage de Versailles et l’art à Goldsmiths University of London ainsi qu’au Maumaus à Lisbonne.

Jean-François Krebs a notamment exposé lors de la 8ème Biennale internationale d’Art Contemporain de Melle (2018), à la Triennale Art et Industrie de Dunkerque (2023-2024), à la galerie Sherbet Green à Londres (2023), à Ugly Duck à Londres (2022) ou encore à la Galerie Municipale Jean-Collet à Vitry-sur-Seine (2022). Iel a bénéficié d’une résidence à la fondation Martell axée sur le travail du verre en 2021. En 2023, iel est l’un des lauréats du Fluxus Art Project. Plus récemment, Jean-François a achevé une résidence à la Factatory (Lyon) dans le cadre de la préparation de sa prochaine exposition à KOMMET.

Portrait filmé réalisé par Lam Son Nguyen – Lsnfilms

LESS VOYAGE

Depuis les vitrines de KOMMET, les spectateur·rices observent une série d’objets de la vie courante : chaises, table, lampes, cafetière, etc. Autant d’éléments référentiels qui peuvent subtilement nous projeter dans un espace de vie. Alexandre Caretti propose d’entrer dans le centre d’art comme on entrerait dans un appartement. L’entrée est marquée par un espalier qui sert de claustra, divisant la pièce en différentes zones. Ce premier sas remplit le rôle de couloir, agissant comme une transition entre l’extérieur et l’intérieur. Néanmoins, tout reste visible depuis la rue, soulignant que KOMMET demeure un espace public où l’intimité reste relative.

Alexandre Caretti explore l’espace domestique comme terrain de recherche formel. Plutôt que de viser une compréhension rationnelle, son objectif est de créer un langage artistique et sensible qui touche les visiteur·euses au-delà des limites de la logique et de la raison. Il tente de provoquer chez les spectateur·rices des micro-récits personnels en appelant des souvenirs liés à l’affect. À titre d’exemple, un simple objet comme une cafetière peut évoquer des souvenirs de moments partagés, de cafés du matin, ou encore une nostalgie pour des instants révolus. Ses œuvres suscitent des émotions et des récits personnels chez celleux qui les contemplent.

Cette volonté d’interactions confère aux œuvres d’Alexandre Caretti une forme d’agentivité, c’est-à-dire la capacité d’exercer un effet sur les publics. Cette approche se distingue nettement de la traditionnelle sacralité associée à l’art, où les œuvres sont souvent perçues comme des entités autoritaires et inaccessibles. Son intérêt ne se limite pas à la relation entre la figure de l’artiste et le·la spectateur·rice. Il explore également toutes les interactions affectives qu’il tisse avec ses propres œuvres, les autres artistes et l’environnement architectural dans lequel il expose. Son travail dévoile une fascination pour les réseaux affectifs dans leur globalité, offrant ainsi une expérience artistique multidimensionnelle et poétique.

Less Voyage offre une expérience de visite qui rompt avec la contemplation passive généralement associée à certaines expositions. L’artiste propose une nouvelle perspective sur notre quotidien en créant un répertoire de formes et de gestes qui transcende les explications narratives traditionnelles. Ses interventions se distinguent par leur subtilité, frôlant parfois l’imperceptibilité. Cette approche incite les publics à scruter et à réévaluer le statut des objets qui se présentent à leur vue, tout en explorant les résonances émotionnelles et esthétiques qui émergent de cette cohabitation entre œuvre d’art et objet du quotidien.

Émilie d’Ornano

Avec le soutien du Centre Wallonie-Bruxelles (CWB) Paris – Hors-Les-Murs Satellite

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Né en 1996 à Besançon, Alexandre Caretti vit et travaille à Lyon. Il est diplômé de la Haute École des Arts du Rhin, à Strasbourg en 2020. Son travail a été exposé au CRAC Alsace – Centre rhénan d’art contemporain (2018), le 19 – Crac Montbéliard (2020), le Casino du Luxembourg (2019) et le Casino Display (2020).  Cette année, il participe à une exposition à l’École des Beaux-Arts de Belfort en partenariat avec le 19 – Crac Montbéliard, et sera régulièrement au CRAC Alsace – Centre rhénan d’art contemporain pour une collaboration dans le cadre de la bourse Emergences Grand Est. Son intérêt pour les réseaux affectifs des mondes de l’art l’a amené à devenir assistant régisseur à la Chaufferie – Espace d’art contemporain de Strasbourg, puis travaille actuellement comme chargé de communication et production au CAP • Centre d’art de Saint-Fons.

Évènement en collaboration avec le programme de résidences Solarium Tournant, le label Carpaccio Cathédrale et le centre d’art de Flaine.

Exposition et films

La résidence Hitchhiker (HHH) est un projet du duo d’artistes Encastrable (Antoine Lejolivet et Paul Souviron). Elle est née de l’envie d’ajouter une touche d’imprévu aux modes de production de la musique électronique, processus souvent sédentaire et solitaire. C’est un road-trip de création musicale, dans lequel les artistes sont invités à produire des morceaux à partir des captations réalisées au fil d’un voyage de quelques jours.
À l’issue de chaque résidence sont produits : un EP digital sur le label Carpaccio Cathédrale, un documentaire vidéo diffusé sur leur page Youtube, ainsi qu’une restitution radiophonique sur LYL.live, radio en ligne dédiée à la scène électronique contemporaine.
À cette occasion, a été présentée l’exposition du duo Encastrable “Je veux que tu nous mettes des étoiles dans les yeux, Gilbert !” avec les films d’Antonin Tricard, Cha Gonzalez et Florent Hadjinazarian.

Concerts

Charmaine’s name – Live folk rock crooner (US)
F pneumonia – Live machine (FR)
Théréon Live chanson française wave (FR)
TRRRNCTRN – Ambient (FR)

Sortie de vinyles

Solarium Tonneau x HHH réalisé à Flaine avec Solarium Tournant et Le centre d’art de Flaine
HHH-retro : Compilation des 5 premières résidences Hitchhiker réalisées entre 2020 et 2021 avec le soutien de la région Grand Est et de Impuls Neue music Berlin.

NOS CORPS ENCODÉS

Du 12 mai au 13 juillet 2023, la double exposition Nos corps encodés se déploie à KOMMET, puis avec un temps de latence, à la Galerie Tator du 8 juin au 26 juillet 2023. Ce parcours peut être envisagé comme une expérience de l’ubiquité où les visiteurs sont invités à naviguer d’un lieu à l’autre, entre réalité et virtualité.

Depuis plusieurs années, les artistes et sœurs jumelles Blanche et Louise Lafarge mènent une réflexion globale sur la représentation des avatars ainsi que des corps incarnés dans les espaces numériques.

Sans grande surprise, les stéréotypes provenant du monde hors ligne sont tout autant perceptibles dans le monde virtuel. Le corps est physiquement absent mais reste en revanche sujet à des faits de cyber harcèlement en ligne. Le site 4Chan, créé en 2003, est un parfait exemple de ses possibles dérives. Sorte de forum géant, les utilisateur.rices peuvent y partager des images ou des messages de manière totalement anonyme. Très rapidement, 4Chan façonne une certaine culture sur internet, démocratisant notamment les mèmes. En 2007, certains de ces utilisateurs y inscrivent des prétendues lois alors appelées « Règles d’internet ». Parmi celles-ci, la règle N° 30 énonce : « Il n’y a pas de femmes sur internet. ». Cela signifie, de manière ironique, que le web est dominé et défini par des internautes masculins et par une population de trolls pouvant se faire passer pour des femmes. Ce slogan sexiste implique également que l’anonymat empêche tout « privilège féminin » qui serait alors perçu comme un avantage social.

Le cyber espace offre néanmoins des possibilités plus optimistes comme celle de pouvoir emprunter, manifester ou affirmer son identité, tout cela sans aucune conséquence sur notre vie sociale. La virtualité devient le lieu de tous les possibles, sorte d’espace de transit utopique situé entre la réalité et la fiction. L’avatar, qui peut surgir au-delà de l’anonymat, permet donc de repousser les frontières du genre et, par la même, de briser la binarité de genre.

Legacy Russell, curatrice et autrice américaine, propose avec le concept glitch feminism d’abandonner la dichotomie virtuel-réel et de penser le web comme un nouvel espace propice à l’identité de genre se situant en dehors des normes sociales, laissant ainsi de la place au queer. Le glitch serait donc finalement le moyen de faire bugger ces normes pour valoriser les corps différents. 

Générées à partir de scans 3D qui glitchent, les visiteurs découvrent à KOMMET d’étranges sculptures déliquescentes. On assiste ici à la transposition de formes issues du film Au seuil du bord, je glisse, présenté en parallèle à la Galerie Tator. Ces formes noires et visqueuses nous entrainent dans une réalité mouvante qui tend à muter et à s’échapper vers un ailleurs numérique. En y regardant de plus près, on devine la présence de morceaux de corps inertes. L’aspect glossy et monstrueux de ces amas de formes indescriptibles provoquent une fascination où se joue la dualité attraction-répulsion.

Dans cette double exposition, les artistes associent différentes techniques leur permettant d’interroger la manière dont les corps sont représentés et affectés dans les espaces numériques : sculpture, scan 3D, sérigraphie, vidéo, son, hologramme ou encore sérigraphie. Les œuvres présentées à KOMMET et à la Galerie Tator délivrent autant de questionnements sur le genre que sur ses modes de représentations. Les artistes Blanche et Louise Lafarge ambitionnent pour le futur un cyber espace plus ouvert et inclusif, où chaque individu pourrait s’exprimer librement sans craindre d’être jugé ou discriminé.

Émilie d’Ornano

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Née en 1994, Blanche Lafarge vit et travaille à Saint-Étienne. Elle est diplômée de la Haute École d’Art et Design de Genève en 2018. Elle travaille seule ou en duo avec Louise Lafarge. Son travail a été présenté à la Factatory (Lyon), les Ateliers Médicis (Clichy), L’Angle (La-Roche-sur-Foron), la galerie Passerelle (Paris), au Château de Villeurans (Morges) ou encore aux Ateliers Saegher (Bruxelles). Ses films ont été diffusés dans de nombreux festivals (les Instants Vidéos Numériques et Poétiques (Marseille), Dissident festival (Marseille), Fesses-tival (Genève), Design Days (Genève), etc.).

Née en 1994, Louise Lafarge vit et travaille à Toulouse. Elle est diplômée de l’École Nationale Supérieure d’Art de Bourges (DNAP) en 2017 et de la Haute École d’Art et Design de Genève (DNSEP) en 2019. Elle travaille seule, en duo avec Blanche Lafarge ou au sein du collectif TOTAL (2017-2020). Elle effectue plusieurs résidences en duo avec Blanche Lafarge à la Factatory (Lyon), aux Ateliers Médicis (Clichy) et au Labo NRV (Lyon). Son travail a été présenté à la Factatory (Lyon), L’Angle (La-Roche-sur-Foron), aux Ateliers Saegher (Bruxelles), l’Arsenic, aux ateliers de Bellevaux (Lausanne), Vinaigre Festival (Vevey) ainsi qu’au Théâtre Saint Gervais (Genève).

Vues d’exposition : Blanche Lafarge

DANS LEURS MAINS, SOUS NOS YEUX

Résidence an• other here – Édition II Montbrun-les-Bains

Le programme de résidences nomades an• other here soutient la recherche et la création des practien.nes de l’art invité.es. Il agit comme intercesseur de narrations créatives tout en prenant soin de générer des synergies avec le territoire investi. 

Pour sa deuxième édition, la résidence s’est nichée sur le flanc d’une montagne calcaire, aux abords du village Montbrun-les-Bains. Durant l’automne 2022 les artistes sélectionnées Dounia Chemsseddoha et Lisa Hoffmann ont glané les arcanes du territoire à partir de la maison familiale Tulicasi. A la fois espace de vie, de recherche, de production et d’accueil du public, ce repère a constitué une plateforme de rencontres rhizomatiques. Il a permis l’exploration d’un environnement habité de figures dissidentes et de pratiques intimement liées à cet espace circondé d’une charpente naturelle. La marche, le pastoralisme, la céramique, la géologie, la paysannerie herboriste, l’olfactothérapie ou encore la cueillette sauvage ont constitué des fils rouges au sein de chaque processus artistique.  

L’éloignement de la frénésie urbaine a donné aux artistes une appréhension plus précise, plus lente, plus fragmentée, du contexte naturel, faisant surgir le fragile et l’intangible du paysage environnant. Une pensée s’est façonnée alors, non pas en face ou avec mais dans celui-ci.

La double notion absence-présence a été convoquée dans le processus de création des deux artistes, manifestant que ce qui ne peut être vu n’est pour autant inexistant ou immatériel. À juste titre Dounia Chemsseddoha use de l’entrevision – clé de voûte dans son travail – résultat d’un processus permettant de faire alliance avec l’invisible. Elle consolide cette approche avec le matériau de la céramique, lequel progressera tout au long de sa résidence au contact d’une artisane céramiste de Montbrun-les-Bains. Des pièces hybrides au potentiel de soin ont émergé, vases de corps et réceptacles à corolles pouvant recueillir des élixirs curatifs. Tandis que Lisa Hoffmann a concentré sa recherche sur la dimension de la marche, la trace humaine, animale, végétale et leur mémoire. Et ses indices, évocateurs d’une réalité cachée. L’écriture et la photographie ont été deux outils utilisés avec brio pour ouvrir une réflexion riche sur notre rapport au paysage, et même incisive pour détourner l’anéantissement de l’esprit du regardeur. Interpeller, déstructurer, finalement sensibiliser. 

L’exposition Dans leurs mains, sous nos yeux délivre les projets réalisés durant la résidence ainsi que de nouvelles pièces restituant l’immersion des deux artistes sur le territoire de la Drôme Provençale. Cette deuxième édition an• other here a été accompagnée avec ferveur par la communauté du village de Montbrun-les-Bains, et a donné lieu à des événements organisés en collaboration étroite avec le collectif des travailleur.euses de l’art Polynome.

Livia Tarsia In Curia

Dans leurs mains, sous nos yeux

Pour cette nouvelle exposition, KOMMET a le plaisir de s’associer au programme de résidences nomades an• other here. Dans leurs mains, sous nos yeux est la reproduction lacunaire du paysage de Montbrun-les-Bains. Par la sculpture, l’installation ou encore la photographie, Dounia Chemsseddoha et Lisa Hoffmann dévoilent dans le centre d’art les résultats de leurs recherches générées sur ce territoire et retranscrivent ici les contours visibles et invisibles de cet environnement bucolique.

Depuis l’Antiquité, le village de Montbrun-les-Bains est reconnu pour son eau sulfurée. Utilisée pour les cures thermales, cette eau soulage les rhumatismes et traite les affections respiratoires. Dounia Chemsseddoha explore en partie cette facette du territoire en évoquant l’eau, ressource rare et précieuse. À KOMMET, elle fictionne un monde parallèle et convie les spectateurs à une spéléo dans la caverne souterraine de ce village. Des réceptacles accueillant des eaux florales potentiellement curatives sont disséminés dans cette « grotte ». Ainsi, les visiteurs sont invités dans une pérégrination où il est possible d’éveiller ses sens. La litanie des collines diffuse des réminiscences enregistrées pendant la résidence. On découvre alors toute la richesse ancestrale des plantes médicinales et l’on s’initie à toutes leurs vertus, par moments ésotériques.

Lisa Hoffmann, quant à elle, regarde, observe et examine pour déceler une toute autre réalité, bien souvent dissimulée. Elle sème dans l’espace d’exposition les indices d’une traversée, celle d’une heureuse rencontre avec le territoire de Montbrun-les-Bains.  Après avoir effectué un travail de collecte oral et visuel, elle imite ici certaines traces et expériences de ce que le paysage et les habitant.e.s, humains, animaux, végétaux et minéraux, ont su lui raconter. Lisa Hoffmann se questionne sur la perception et la représentation objective de ce paysage en mutation. Finalement, comment le contempler tout en faisant acte de préservation ? À KOMMET, la nature impalpable se retrouve enserrée entre des plaques de verre. Bien que mise à distance, elle est sujette à l’analyse d’échantillons au microscope par les visiteurs-scientifiques. Des mains fantomatiques, accompagnés de différents jeux optiques, dirigent les regards des visiteurs et impulsent différents points de vue sur l’exposition depuis l’intérieur, mais également depuis l’extérieur du centre d’art.

À elles-deux, les artistes prélèvent et sélectionnent des fragments du paysage drômois qui viennent s’hybrider et contaminer l’environnement urbain. Après l’exploration et cette intense période de fouille à Montbrun-les-Bains, Dounia Chemsseddoha et Lisa Hoffmann entremêlent à KOMMET fabulations et souvenirs reconstruits. L’espace d’exposition devient le lieu d’accueil de deux récits voués à être arpentés et partagés. 

Émilie d’Ornano

Exposition en partenariat avec an• other here

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Née en 1980, Dounia Chemsseddoha vit et travaille à Toulouse.

En 2018, elle intègre la formation-incubateur d’artistes Profession Artistes au BBB Centre d’Art (Toulouse). Son travail est exposé à la Galerie de l’Arthothèque (Gondrin) en 2021. Cette même année, elle effectue la résidence de recherche SAISONS ZÉRO au Monastère des Clarisses (Roubaix) et obtient la bourse du programme TRAVERSÉES organisé par le CIPAC, la FRAAP et le réseau Diagonal. En 2022, son travail fait l’objet d’une publication dans l’ouvrage FRAGMENTS par Madeleine Filippi et elle participe au programme de résidences an• other here (Montbrun-les-Bains).

Née en 1991, Lisa Hoffmann vit et travaille à Berlin.

Elle est diplômée en Design Durable du Bauhaus-Universität Weimar (Allemagne) et en Art et Médias de l’Universität der Künste Berlin (Allemagne). Elle expose à la Phototriennale Hambourg (Allemagne) en 2018, à la Bienal Fotografia do Porto (Portugal) en 2019 et en 2021 dans Streetlight à la Roman Susan Art Foundation (États-Unis). En 2022 son travail est notamment présenté à Tampere Film Festival (Finlande), au Rundgang 50 Hertz, Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart (Allemagne), ainsi qu’au Video Art Festival Turku (Finlande). Cette même année elle prend part au programme de résidences an• other here. Elle est membre actif du collectif Klasse Klima.
 
an• other here est un programme de résidences nomades.

Il a pour vocation de soutenir artistes, commissaires d’exposition, et autres professionnel•les de la création contemporaine. À chaque édition la résidence s’inscrit dans une nouvelle localité, élue pour ses singularités historiques et culturelles, son écosystème régional et son éloignement des zones conformes d’activités créatives. an• other here s’engage à produire et à diffuser des projets qui expérimentent artistiquement avec et par la richesse de ce qui est géographiquement proche de la résidence – l’altérité dans la proximité.

Vues d’exposition : Lucas Zambon

TERRAINS FRAGILES, AMOUR MISKINE

Johanna Cartier concentre ses recherches sur des sujets considérés comme marginaux. Les PMU, le monde des routiers ou encore le mouvement techno « gabber », sont autant de sujets que l’artiste fouille et décortique avec empathie. Son travail se matérialise via la peinture, le dessin, la sculpture, l’installation ou encore la vidéo. Bien souvent fondé sur des observations, des expériences et des témoignages variés, son travail débute par des images collectées sur Internet ou par des objets chinés dans des vide-greniers. Sa pratique se nourrit de recherches approfondies qui peuvent l’amener à échanger avec les individus concernés par la thématique traitée. Fascinée par des univers à contre-courant, souvent mal perçus, elle examine et questionne de nombreux clichés, tabous et idées reçues.

Pour son exposition personnelle à KOMMET, Johanna Cartier convoque ses expériences et ses souvenirs les plus intimes. Dans ses œuvres, elle nous délivre un bout de son adolescence passée dans la diagonale du vide et s’attache à montrer ce que peut être la vie de jeunes filles en milieu rural. Ces dernières grandissent bien loin du monde urbain, bien loin de l’anonymat. Drague aux abords d’une cage de foot ou travail dans l’exploitation agricole familiale, elles évoluent sur un territoire où il y a peu d’activités, peu de loisirs et où les commerces de proximité ont quasi disparu. Le lavoir, l’arrêt de bus ou le stade de foot, deviennent ainsi des lieux propices aux rendez-vous entre amis, et plus si affinités.

Johanna Cartier métamorphose l’espace d’exposition et recrée un petit bout de campagne en plein cœur de la Guillotière. On observe un faux gazon et un pan de mur peint en jaune fluo qui pourrait être celui d’un champ de colza ou bien de ces affiches visibles le long des routes et des ronds-points indiquant « bal des pompiers », « brocante », etc.

Elle décide également d’éplucher ses anciennes conversations Facebook et nous plonge un peu plus dans l’univers des ragots et des ados.

À KOMMET, l’artiste s’empare d’objets symboliques et joue constamment sur des doubles sens pour faire ressortir des sujets plus profonds. Ainsi, elle met ici en parallèle la cage de foot avec le rêve de rencontrer l’amour et de s’unir pour la vie. Observant à la campagne que le mariage est généralement une fin en soi, la cage alors féminisée par des centaines de strass, arbore un imposant voile. Le but devient ici le symbole d’une aspiration prégnante dans le monde rural. Questionnant les relations humaines et sociales, elle explore aussi la manière dont les jeunes filles adoptent certains comportements pour s’adapter aux schémas patriarcaux. De temps à autre, perçues comme des copines, de futures épouses ou encore comme des cibles, elles naviguent fébrilement entre hypersexualisation précoce et pression du jugement. « Vivant dans des espaces où l’interconnaissance est forte, où les commérages participent à classer et déclasser socialement les individus entre eux, et où les histoires et les qu’en dira-t-on se transmettent de génération en génération, les jeunes femmes doivent faire avec et tout faire pour ne pas y être associées »¹.

Expression relevant d’un danger ou d’une interdiction, Johanna Cartier utilise et détourne des panneaux de signalisation et offre aux visiteurs différents niveaux de lecture. Gare aux mauvaises fréquentations si l’on ne souhaite pas que sa réputation et sa respectabilité soit entachée. En effet, les « jeunes filles du coin » ont l’habitude de rester sur le qui-vive et évitent, de près comme de loin, les potentiels prédateurs. Si l’on dépasse le sens littéral de la pancarte « Attention auX chienS » cette dernière évoque alors les hommes graveleux et dangereux.

Néanmoins, quitter le foyer peut s’avérer complexe lorsque l’on ne possède aucun moyen de locomotion et, de là, peuvent surgir des sentiments d’enfermement et de frustration. Les jeunes filles se laissent volontiers séduire par les jeunes des villages voisins propriétaires de scooters. Johanna se souvient que ces cavaliers motorisés lui permettaient de défier certains interdits. Par exemple, elle s’échappait pour des virées nocturnes pour fumer la chicha en douce. Sa meilleure amie en était l’heureuse propriétaire et, par chance, les « gars du coin » véhiculés pouvaient amener le matériel nécessaire : briquet, charbon et autres accessoires indisponibles dans son propre village de campagne. La chicha crée ainsi un nouveau prétexte pour se regrouper et échanger. À KOMMET, une femme suçote une tétine tandis qu’un homme semble fumer la chicha. Par sa forme fine et phallique, les tuyaux renvoient à la figure du serpent. En sélectionnant certains des objets présentés dans cette exposition, Johanna Cartier aborde implicitement le passage de l’enfance à l’âge adulte.

Johanna Cartier entremêle, dans cette exposition, objets réels, images mentales, expressions et clichés ruraux. Marquée par cette adolescence loin de tout, elle prend du recul et pose tout dorénavant un regard compréhensif et admiratif sur ces personnes qui vivent et travaillent à la campagne. En dressant ce portait, à cheval entre la réalité et la fiction, elle s’interroge encore aujourd’hui à la construction des relations sociales dans le monde rural et cherche à mieux saisir ses fondements.

1 Yaëlle Amsellem-Mainguy, Les filles du coin : vivre et grandir en milieu rural, Paris, Éditions SciencesPo Les Presses, 2021, p. 73.

Exposition en partenariat avec la Factatory résonance avec la Biennale de Lyon

Commissariat
Émilie d’Ornano 

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Née en 1996, Johanna Cartier vit et travaille à Brest. Elle est diplômée de l’École Supérieure d’Art de Bretagne (site de Rennes) en 2019. Elle inaugure en 2021 une exposition personnelle au centre d’art Passerelle (Brest), Son travail a également été exposé à la Galerie Vanessa Quang (Paris), à la galerie du Praticable (Rennes) ou encore à Dapper (Amsterdam). En juin 2022, elle effectue une résidence à la Maison d’arrêt de Brest, en partenariat avec Passerelle, la Ligue de l’Enseignement du Finistère, et la PJJ dans le cadre du dispositif Culture/Justice soutenu par le Ministère de la Culture et la DRAC Bretagne

Vues d’exposition : Lam Son Nguyen

FURY

Fury est une invitation dans un monde habité de colère, une sorte d’enfer où des êtres féminins vous sautent au visage. Hélène Hulak et Mélissa Mariller s’emparent d’univers masculins comme le tuning, le tatouage ou encore le piercing pour en distordre les codes et se jouer de leurs images stéréotypées. Pour leur premier duo show, les artistes ont imaginé pour KOMMET l’installation commune Fury.

Mélissa Mariller, designer plasticienne, crée des sculptures fonctionnelles. En explorant des matériaux froids, tels que le verre ou le métal, elle développe des formes acérées et tranchantes. Ses recherches actuelles se concentrent en partie sur le monde de l’automobile. Elle questionne un secteur rempli de testostérone où certains adeptes du tuning bichonnent et personnalisent leur engin avec des matières clinquantes. La pratique d’Hélène Hulak gravite, quant à elle, autour de l’installation, la peinture, la sculpture, le textile ou la vidéo. En perpétuel mouvement, son travail se situe souvent dans une exploration sérielle. Elle emprunte des images issues de la culture populaire susceptibles de connaître des mues successives. Elle joue et use, à outre mesure, de leurs codes afin de générer chez le spectateur une réflexion liée à notre rapport au genre et à notre environnement. Elle vient, en quelque sorte, gratter cette première couche lisse pour en faire émerger un aspect éminemment plus grinçant et torturé.

Les deux artistes ont imaginé et conçu un support de monstration pour les pièces textiles d’Hélène Hulak. S’apparentant au châssis d’une toile, ce cadre devient également le châssis d’une automobile carbonisée. La carcasse d’une Clio a laissé place à une forme monstrueuse et incisive. Ce squelette n’est pas s’en rappeler l’anatomie d’une araignée géante, sortie tout droit d’un film de science-fiction. Dans ses mandibules, des bouts de corps et de mécaniques en tissu sont suspendues par des chaînes.  On se demande alors si ces figures féminines ne tenteraient pas d’asservir et de démembrer l’automobile. Bien qu’Hélène Hulak travaille avec des couleurs chatoyantes, lamées et pailletées, les pièces textiles éveillent des sentiments ambivalents chez le spectateur. Ces dernières sont en effet tout aussi séduisantes qu’inquiétantes. D’autres éléments de la machine sont morcelés, comme projetés dans l’espace d’exposition. Un volant boursouflé ou des phares de voiture encore allumés gisent sur le sol. 

Sur les murs de KOMMET – dans un semblant de ciel apocalyptique – des figures déliquescentes enragées laissent entrevoir un possible autre monde. Sont-elles les victimes de cet accident ou en sont-elles à l’origine ? Tous les scénarios sont ouverts. Chahutant notre perception du dedans/dehors, les artistes plongent délibérément les visiteurs dans une scène accidentée. Dans ce décor, en apparence figé, règne une certaine intranquillité. En effet, peu d’éléments sont encore en état de marche comme les deux lampadaires aux lignes acérés que l’on pourrait voir au bord des routes dans un film d’épouvante. 

Mélissa Mariller et Hélène Hulak déploient à KOMMET un monde où la figure mythologique de la furie se retrouve hybridée avec la grid girl du salon de l’automobile. Ces jeunes femmes qui tiennent l’ombrelle des pilotes ou les drapeaux lors de grandes courses deviennent, peut-être, dans cette exposition, des vengeresses surpuissantes.

Exposition en résonance avec la Biennale de Lyon

Commissariat
Émilie d’Ornano 

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Née en 1990, Hélène Hulak vit et travaille à Lyon. Diplômée de l’École nationale supérieure des beaux-arts de Lyon, son travail a notamment été exposé aux Magasins Généraux (Pantin) à SIM Gallery (Reykjavik) ou encore au macLyon (Lyon). Invitée par Studio Ganek, elle participait au mois d’avril 2021 à l’exposition collective À ciel ouvert, installée dans des panneaux d’affichage de la Ville de Lyon et était en résidence de création à KOMMET au printemps 2021. Cette même année, Hélène Hulak part en résidence en Islande dans le cadre d’un programme organisé par « Artiste en résidence » et est invitée par le macLyon dans le cadre de l’exposition « Crossover Hélène Hulak x Mel Ramos ». Elle est co-fondatrice de l’association Cagnard et travaille au sein de l’atelier Montebello. 

Née en 1990, Mélissa Mariller vit et travaille à Lyon. Diplômée de l’École nationale supérieure des Beaux-arts de Lyon, son travail a notamment été exposé à Dardilly pour l’exposition collective Paysages Manufacturés, à Poush Manifesto (Clichy) à l’Attrape-couleurs (Lyon) ou encore à la Petite galerie Françoise Besson (Lyon). Sélectionnée par art3 (Valence), Mélissa Mariller a l’opportunité d’effectuer en 2022 une résidence à Stuttgart (Allemagne). Elle est co-fondatrice de l’association Cagnard et travaille au sein de l’atelier Montebello. 

Vues d’exposition : Lucas Zambon

DIVINE

Aurore-Caroline Marty développe de multiples récits entremêlant de plus en plus l’art vivant, l’art sonore, la photographie et l’artisanat. Sa pratique ne cesse de s’élargir : elle s’adonne depuis plusieurs années à l’expérimentation de nouvelles techniques comme le vitrail, la taille de pierres, la broderie, le batik ou bien la fonte de métal. Ainsi, l’artiste se plait à poser un nouveau regard sur un matériau et une technique afin d’en extraire de nouvelles formes. Plutôt que de s’intéresser à des savoir-faire dits « tendance », elle se tourne allègrement vers des matériaux et des procédés considérés aujourd’hui comme désuets afin d’en révéler leurs potentiels fantastiques. Ne souhaitant pas hiérarchiser les matériaux, elle les confronte naturellement avec des matériaux plus nobles. Éprise d’une compassion pour certaines couleurs et matériaux mal-aimés, elle n’hésite pas à employer de la peinture rose saumon, du violet ; de la mousse isolante, des frites de piscine ou du papier peint « effet marbre ». Elle ne cherche aucunement à dissimuler ou à costumer les matériaux laissant apparaître volontairement leur aspect « cheap ».
 
Depuis 2014, Aurore-Caroline Marty chine des objets – plus improbables les uns que les autres – pour agrémenter son incroyable « kitschothèque ». Fleurs artificielles, nains de jardin, bibelots à motifs animaliers en porcelaine ou encore collection de statuettes de la vierges Marie, sont autant d’éléments qui constituent une source inépuisable d’images et de formes glanées dans diverses boutiques et brocantes. Ainsi, tout ce qu’elle a sous la main vient compléter une pièce en cours de production ou peut devenir le point de départ d’une idée nouvelle. L’artiste – en jouant de ce que peut offrir la société de consommation – met en scène des dispositifs envoûtants. Les volumes s’érigent et, d’ordinaire, elle y adjoint paillettes, froufrous, perles tissus « shiny » ou revêtement « glossy ».
 
Lors d’une récente résidence au Bénin, Aurore-Caroline Marty remarque rapidement que les noms des boutiques qu’elle croise ont presque systématiquement un rapport au divin. Le mot « Divine » lui est apparu comme une image subliminale et, si l’on reprend sa définition dans le Larousse, cet adjectif signifie : qui est dû à Dieu, ou à un être assimilé à la divinité, ou une chose que l’on trouve exceptionnelle ; parfait, sublime. L’emploi de ce terme, qu’il soit lié au sacré ou à la beauté, révèle l’essence même de sa pratique.
 
KOMMET, installé dans le quartier de la Guillotière, est voisin de nombreux commerces tels qu’un magasin de vêtements, une fromagerie et de plusieurs fast-foods. Depuis l’extérieur du centre d’art, on observe un vinyle adhésif doré apposé sur les vitrines indiquant la présence d’une nouvelle enseigne. Pour son exposition personnelle, Aurore-Caroline Marty décide d’implanter pendant deux mois Divine, une boutique aux allures d’un salon de beauté. Le décor est planté. Est-ce un lieu totalement inanimé ou un commerce en cours de finition prêt à ouvrir ?
 
Aux allures d’une maquette de Barbie, les visiteurs/clients qui passent le pas de la porte observent des mobiliers et des objets mouvants aux fonctionnalités altérées. Aurore-Caroline Marty s’amuse des codes et des clichés pour recréer différents objets que l’on s’attend à retrouver dans ce type de boutique : comptoir à l’entrée, coiffeuses, peignes, produits de beauté, paravent, fauteuils, etc. L’espace devient en quelque sorte le fragment d’une réalité parallèle. L’artiste y fait co-exister des époques multiples, juxtaposant des références au divin, à la mythologie, ou à la culture populaire émanant de contes, de films de Walt Disney ou de séries comme Ma sorcière bien aimée (1964-1972) ou bien Une nounou d’enfer (1993-1999).
 
Dans ce décor inanimé quasi cinématographique, Aurore-Caroline Marty simule la fonction de miroirs en utilisant du stratifié noir glossy. Clin d’œil à la série Black Mirror (2011), l’artiste imite ici le « miroir noir » d’un écran éteint. Elle questionne alors la pratique du « selfie » à l’ère de la surconsommation des écrans et rejoue à sa manière le mythe de Narcisse. Notons également la présence d’énigmatiques mains roses manucurées tenant entre leurs doigts des bougies électriques de sapin de Noël. Le dispositif rappelle une scène du film La Belle et la Bête réalisé par Jean Cocteau où des bras musclés déplaçaient alors des candélabres. Des formes étranges continuent de se déployer et d’imprégner l’espace d’exposition. À l’image de créatures mythologiques et vaudous prenant l’apparence d’un être mi femme mi serpent, des nattes de cheveux synthétiques s’exhibent dans le salon. En effet, un coquillage semble avoir englouti une femme ou peut-être à l’inverse, est-elle en train de s’extraire de sa coquille ? Le doute persiste et toute une série d’étrangetés se succède à KOMMET.
 
Toute cette mise en scène nous entraîne dans plusieurs réalités : celle d’un monde artificiel immergé entre deux eaux, plongé dans le passé et tourné vers un ailleurs rétrofuturiste aux accents mystiques. On se laisse volontiers séduire par le salon de beauté Divine puis, par mégarde, on entame une progressive incursion dans un univers qui est finalement loin d’être rose. 

Commissariat
Émilie d’Ornano 

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Née en 1985, Aurore-Caroline Marty vit et travaille à Dijon. Elle est diplômée de l’École Nationale Supérieure d’Art de Dijon (ENSA) en 2010. Elle devient alors assistante de Marc Camille Chaimowicz jusqu’en 2016. Son travail a été exposé aux Ateliers Vortex (Dijon), au Musée Estrine (Saint-Rémy-de-Provence), ou encore à la chapelle Sainte-Marie d’Annonay (sur une invitation du GAC). Aurore-Caroline Marty réalise plusieurs résidences, notamment à la Villa Belleville (Paris), au FRAC Bourgogne (Dijon), à Moly-Sabata (Sablons) ou plus récemment au Bénin en partenariat avec la Fondation Zinsou.

Vues d’exposition : Lam Son Nguyen